Reflexiones acerca de lo efímero de la vida y lo eterno del amor.

Comencé leyendo y escuchando a Dylan cómo a los dieciséis años con dos discos: The Bootleg Series 1-3 y con Greatest Hits 3. Mientras, mis contemporáneos usaban su tiempo en video juegos, deportes, o mujeres, mi diversión era usar internet (nuevo en México particularmente en sus escuelas públicas. Es decir, un periodo entre los años 2001 al 2003) Estaba en la prepa pues; Mi pasatiempo favorito era buscar  en internet las letras de las canciones de Bob Dylan  para leerlas, al mismo tiempo que las escuchaba.También buscaba porno.

Mi nivel de ingles era básico así que buscaba, no solo las letras en el idioma original sino las traducciones. Además con ayuda de un diccionario las iba comparando, descifraba y entendía todas esas canciones que ya habían endulzado mi oído. Poco a poco me iban gustando más, sobre todo al saber de que iban y todo el universo que encontraba en ellas: poesía, personajes con historias muy particulares, reflexiones acerca de lo efímero de la vida y lo eterno del amor, sarcasmo e ironía, alegría y decepción. vida y muerte, amor y robo.

Obviamente conocía Like a Rolling Stone , pero me encantaban para ese entonces :  "Let Me Die in My Footsteps"; "Subterranean Homesick Blues"; "She's Your Lover Now";"Tangled Up in Blue"; "Idiot Wind";"Hurricane";"Forever Young" y obvio  "Knockin' on Heaven's Door"
Ya después le entré al disco Time Out of Mind de 1997 y al Blood on the Tracks – nomás alimentando la depresión y la melancolía con esos dos discazos- y de ahí fui descubriendo sus discos clásicos de los años sesenta (The Freewhelin, Highway 61, Bring it in on back home , Blonde on Blonde, etc.) para mi fortuna el hombre seguía haciendo música en los tiempos que me tocaron vivir y con ello llegaron los grandiosos discos Love and Theft y Modern Times.

No paso mucho para que despúes vinieran los conciertos; primero y gracias de nueva cuanta al bendito internet a través de mp3’s y discos piratas bajados con virus . Por fin en 2008 lo vi en vivo como a 20 metros en Guadalajara en ese Never Ending Tour, y luego en Zacatecas. Ahí nomás . 

A la fecha sigo enamorado de todas esas canciones,  algunas de las frases que recuerdo y oigo en ellas, me salvan y me aconsejan a tomar decisiones, me devuelven luz e inspiran ideas para afrontar las suertes de la vida. Ayudan a entender la diversidad del mundo en el que vivo, a contactar con mi yo interno, a conocerme y así poder conocer mejor lo que me rodea. Si solo las hubiera escuchado con tantita atención seguro que no habrían tenido el mismo impacto. Leerlas y analizar la escritura era lo que les daba el valor agregado, así que bien merecido un premio que muy probablemente muchos pensaran que no lo es tanto.

Y yo ¿por qué lo festejo? no me gustan los campeonatos de fútbol, no me emociona que pierda o gane un equipo de cualquier disciplina deportiva (aunque exista algo apostado de por medio). Yo creo en el individuo, en el nadador, en la gimnasta, el corredor, si de deportes hablamos, claro que tienen un equipo tras de ellos guiándolos y apoyándolos. Creo que cualquier gente talentosa habrá de ganarse ese tipo de apoyo a pulso, por el simple hecho de que cada individuo saldrá beneficiado del trabajo que lleve acabo. El que Bob Dylan gane el mayor premio de la literatura es para festejar, el Nobel es como una medalla de oro, una copa mundial, un Oscar, un reconocimiento al trabajo de un artista y a un perfeccionista en aquello que se realiza. El premio para nosotros quienes somos admiradores del trabajo de Bob Dylan es también para sentirse muy felices y poder decir bien seguros: Los tiempos están cambiando.

Por todo lo anterior Yo, hoy 13 de Octubre de 2016 decidí no escuchar a Dylan sino leerlo. 

Para conocer la literatura de Dylan recomiendo estas letras:

Desolation Row

It’s Alright Ma´ I’m Only Bleeding

Tangled Up in Blue

Hurriacane

A Hard Rain it’s a Gonna Fall

Forever Young

Bueno, o cualquier otra que se les ocurra. Aplica también.

Seguramente con el Premio Nobel a cuestas habrá muchos artículos con frases y condensados de sus libros o canciones, la verdadera enseñanza de Bob es ser la mejor versión de uno mismo.

Romeo Alberto Jiménez Ocampo 

Av. Lynch - Transito Sonoro en Evolución

 

13 A 13 Y  L Y N C H es un trabajo de 6 canciones que aquí queda para la posteridad en busca de la trascendencia. El proyecto es Av. Lynch (el nombre es en tributo al excéntrico director de cine David Lynch) Trabajan en este taller musical Cristian Reyes con voz, bajo, kaosspad, programaciones, ambientes, también Rosa  Marquez y Mónica Rosales con su voz y Romeo Jiménez con la grabación y mezcla de los temas además de los ruidos de guitarras, kaossilator, voces, baterías programadas y percusiones. Difícil sería tratar de encasillar lo que se puede escuchar, pero  estan claras  las influencias latentes del Hip-Hop en un cover a la canción de Control Machete “Así son mis días” misma que es un tributo a Arturo un amigo y compañero músico del grupo que se quedo en el camino y paso a otra dimensión 3 años atrás, su voz se puede escuchar por todo el track mientras platica algunas experiencias al fumar marihuana; pero no solo la canción contiene su voz escondida si no que toda la pista rítmica fue realizada por el mucho tiempo antes y seguramente con otras intenciones que jamás cuajaron. Por lo que la banda se decidió a rescatarla y darle nueva vida con una letra que se ajustaría a mucha de la idiosincrasia del homenajeado.

 

 

“Cora Son” sigue la línea de los ritmos que se acercan al hip-hop pero aquí enfocados al  buen pop para cantar y moverse cadenciosamente, no en vano es un Son. La secuencia rítmica o batería fue grabada también por Arturo –Tucho y la letra, melodía y voz por Rosa (alguna vez amantes los dos) donde ella expresa  magníficamente deseo, ganas y cachondería. Podría haber sido esta una canción pop radial de menos de 3 minutos, pero esto no es lo de Av. Lynch que apuestan por un tema de 5 minutos que explora sónicamente con coros y aplausos desde ultratumba.

El EP tiene 3 covers a bandas o solistas mexicanos, el 3er tema es “Que grosero!” de las Ultrasónicas, canción bien conocida por las 'groserías' que dice. Mientras la original es rockeramente agresiva el cover de Av. Lynch rescata el lado femenil de la letra en la interpretación, imprimiéndole un toque de seducción y lamento más que reclamo, esto a través de un ritmo más lento y persistente  acompañado- eso sí- de unos gritos que desembocan en la distorsión característica del proyecto. “Una vez más” es la canción siguiente interpretada por Mónica quien también escribe la letra. Musicalmente es lo más cercano al Trip Hop y al rock convencional pero no por ello deja de ser interesante, en especial el desarrollo de la voz en contrapunto con la guitarra eléctrica mientras que la atmósfera nunca deja de ser densa como si de representar el estar manejando por una carretera con neblina se tratara.

El siguiente cover es a una canción de sonido norteño originalmente y que en manos de Av. Lynch se convierte en una orgía de beats hip hop con una voz que descompone la melodía de Jaime López pero que conserva ese sentido guapachoso. “La dosis de tu amor” habla de drogas, en específico de la más fuerte que es el enamoramiento, pero cómo esta cantada (3 o 4 voces a la vez) bien se podrían estar refiriendo a otras drogas igual de peligrosas. El viaje por la avenida musical finaliza con el track más electrónico y dance “TRIPTAMINA” 120bpm de acelere y cambios donde unas trompetas van llevando la batuta al mismo tiempo de que sintetizadores y bajos profundos marcan marcialmente la intención cinética del tema.

13 A 13 Y L Y N C H es una fuerte promesa de un grupo que ha estado picando piedra y haciendo la tarea, el balance es muy bueno y la propuesta sónica tan arriesgada vale la pena ser compartida. Debajo el link del que pueden descargar este trabajo

http://www.mediafire.com/download/6uognfukiuaj5la/13_A_13_Y__L_Y_N_C_H_-_AV._LYNCH.zip

también se puede escuchar a manera de mix por el siguiente link:
https://soundcloud.com/avenida-lynch/13-a-13-y-l-y-n-c-h-mix

De trascender (28 años)

Pones el esfuerzo y las emociones indicadas con la única intención de trascender. En realidad no puedes expresar con palabras lo que esto significa. De hecho cada persona tendrá su definición que se ajusta a factores tan propios como creencias, cultura, vivencias cotidianas, supersticiones, género, entorno, etc. Mis creencias están cimentadas más que menos en la música, las vivencias que he tenido gran parte se han asociado a recuerdos musicales: canciones, discos, artistas y conciertos. Mucha de la música que consumo es en inglés pero no toda ni la mejor, diferentes idiomas me han enganchado – por su puesto el español- pero el lenguaje universal de las notas musicales creo que es el que me ha dado la cultura que corre en mi mente, por su puesto la educación familiar y la obligatoria, además de los importantes libros y lecturas en revistas, periódicos, blogs, y sitios web.

Para mi trascender es dejar material grabado, plasmar uno o varios momentos en físico, no me conformo con las fotos, prefiero algo con más vida, hacer canciones, interpretarlas pero sobre todo grabarlas y darles un formato una cara. Eso es dejar huella para que el día de mañana que yo no este, alguien más (sea cercano o desconocido) pueda tal vez compartir la emoción que yo tuve en el momento de la grabación. Pero no solo la emoción propia, la importancia que le doy a estas grabaciones es la de dejar un testimonio que genere emociones a otras personas que vibre en distintas maneras a quien tenga el gusto de escucharlas de dejarse empapar por el sonido que está plasmado.

Cumplo 28 años hoy 28 de mayo y puedo decir que he dejado y tengo algunas cosas grabadas y que afortunadamente muchas otras por grabar así que mi búsqueda por esa añorada trascendencia continuará mientras respire y habite esta tierra.  Quien tenga oidos y guste, que escuche a través de:

https://soundcloud.com/romeoeme

y

https://soundcloud.com/avenida-lynch/13-a-13-y-l-y-n-c-h-mix

PLAY - 15 años (Moby’s Play – 15 years)

A diferencia de algunos otros discos – pensemos en artistas actuales- donde la publicidad previa hace que el día del lanzamiento el disco se eleve a los primeros lugares de popularidad, rompiendo records de ventas, visitas en youtube, etc. Este trabajo de Moby lanzado el 17 de mayo de 1999, tardó aproximadamente 10 meses, después de ser lanzado, en tener atención masiva.

Principalmente este boom se dió en Europa con el inicio/fin del milenio (año 2000) donde la música de Moby era ideal para las fiestas. Pero no solo fue música electrónica para fiestas (Bodyrock, Machete, Southside), debajo de esa primer capa se encuentran sampleos góspel y blues (Why does my heart feel so bad?, Honey, Natural Blues), guitarras acústicas (Everloving) y beats lentos cercanos al trip hop (Rushing, 7 ), atmosferas contemplativas (Porcelain) que hicieron las delicias de muchos no solo en grandes bocinas sino a través de los audífonos.

Y como pasa en estos casos el éxito comercial siempre viene acompañado de crítica artística. Moby es probablemente uno de los músicos que ha recibido desde burlas, ridiculizaciones públicas y chascarrillos no solo de la prensa musical sino de compañeros artistas, tachándolo de predecible, poco imaginativo y vendido. Proyectos como Fatboy Slim, Chemical Brothers o Daft Punk –por mencionar  los más conocidos- conseguían más credibilidad dentro de la música electrónica de esas fechas (¿recuerdan a Mirwais, Modjo, Basement Jaxx, Miss Kittin? ) Mientras que por el lado de la música rock los Red Hot Chilli Peppers, Limp Bizkit, Korn y hasta Marilyn Manson hacían sus apariciones continuamente en MTV, Obviamente durante ese tiempo existía también música que estaba desafiando los estándares y predestinaba muy buenas cosas por venir : The White Stripes y KID A por citar un par de enormes trabajos discográficos de los años 1999 y 2000 respectivamente.

“It's fun and functional, yet disposable: Play is the condom of rock” / Es divertido y functional pero desechable: Play es el condón del Rock . Escribían en Pitchfork acerca del disco y lo que vendría después para Moby sería el estrellato y fama desmedidos para convertirlo en un producto más de la industria musical. Aún así  me parece que Play es un gran disco, altamente disfrutable y con una trascendencia que radica en que puso al alcance masivo la música electrónica de ordenador, esa variante que se ha llamado de dormitorio; en la que muchos de nosotros nos hemos sumergido justo en la comodidad del hogar con nuestros audífonos puestos y utilizando programas (fruity loops, ableton live, garage band, etc.) donde a través de presets, instrumentos virtuales, librerías de samples, ruidos y secuencias  se nos permiten crear canciones con el toque propio en donde se desahogan las frustraciones, experiencias, creatividad y locuras de cada día.

Soy La Morsa Y La Amo.

Un joven productor musical empieza a ganar popularidad y a ser invitado a diversos proyectos, entre ellos al grupo virtual Gorillaz e incluso se cuela en las listas de éxitos con el proyecto Gnarls Barkley y el hit Crazy. Luego de esto puede darse ya el lujo de elegir en que y con quien trabajar: The Black Keys, Beck, Norah Jones, Daniel Luppi y con el mismo Damon Albarn en The Good the Bad and the Queen.

El inicio de todo lo que le brindó esa fama y reconocimiento fue el Gray Album un divertimento en el que Brian Burton (verdadero nombre de Danger Mouse) mezcló el Black y el White Album, del primero tomando las voces de Jay –Z y del segundo el inagotable arsenal musical de The Beatles. Como era de esperarse una vez que el mixtape cobró notoriedad gracias a revistas y sitios web, el trabajo fue prohibido ya que infringía leyes de derecho de autor al usar material de otros artistas sin los debidos permisos y pagos de regalías. Sin estar oficialmente en circulación masiva (solo se hicieron unos miles de ejemplares) el Gray Album tuvo un boom gracias al internet y sirvió para que se tocara un nuevo punto en cuanto al debate de los derechos de autor, la piratería además del ‘plagio’ como elemento o forma también artística.

Entonces este fue el primer destello de Danger Mouse, ahora vayamos a la más reciente y ultima maravilla del productor estadounidense. La presentación en el Show de David Letterman de su proyecto Broken Bells  en conjunto con el músico James Marcer. La presentación es maravillosa por varios aspectos, de entrada se realizó en el marco del 50 aniversario del famoso show del cuarteto de Liverpool con Ed Sullivan, es decir el debut de los Beatles en la televisión norteamericana y que tuvo ratings de audiencia brutales para la época por lo que sería importantísimo para la fama mundial de la sensacional banda Inglesa.

Broken Bells deciden hacer un cover a la melosa y romántica And I Love Her y lo hacen de la mejor manera posible, se adueñan de la conocidísima pieza para darle un toque actual gracias al uso del lenguaje relativamente nuevo del sampleo -una vez más Danger Mouse sampleando a The Beatles- La batería de Ringo Star en I´m the Walrus es usada ahora para marcar el ritmo ingeniosamente (apoyados por imágenes del propio Ringo en una vieja TV) para dar pie a la balada con guitarra acústica entretejida por sintetizadores y órganos macabros, pero algo por demás fascinante es cuando los psicodélicos violines de la misma I’m the Walrus se cuelan para dividir la pieza en sus diferentes partes. La canción se torna melancólica y sufrida gracias a la voz de Mercer quien matiza de forma espectacular la melodía originalmente cantada por McCartney.

 

 

Volver a los orígenes y explicarlos de forma actual es la lección que nos brindan estos Broken Bells de la mano de la creatividad loca del Ratón Peligroso. Quizá sea cierto eso de que ya nada nuevo pueda ser ya creado, no hay hilo negro pero mi mente empieza a volar y a imaginarse un futuro en donde varias de esas clásicas canciones que van cumpliendo de poco a poco entre 40 o 50 años de edad son recreadas por jóvenes talentos en un lenguaje apropiado para los tiempos modernos; digo, si Beck ya hizo lo propio recientemente con ‘Love’ de John Lennon y le salió una chulada de canción.

Otoño se Bueno - Fall be Kind EP / Animal Collective

Una cascada sonora que refresca el interior mismo de las almas mas turbias, o por lo menos particularmente, música que me puede sacar de la depresión y el hartazgo mas somnífero y peligroso...

Desde Graze hasta la última nota de I think I can, la maravilla del álbum es que se puede escuchar varias veces seguidas, empezar por el track número uno hasta el cinco o iniciar por la bellísima On a highway y terminar con la sublime y pachecoide-alucinante-relajante y deliciosa What would I want? Sky. Se puede escuchar en shuffle o random pues.

Para muchos el Colectivo Animal es la mejor banda actual, mejor dicho. producen estos chamacos la mejor música posible en estos días, una combinación de vanguardia con toques retros, de sonidos nuevos con guitarras y teclados, de voces angelicales con ruidos extraños, de magia con ciencia, del bien/infierno con el mal/cielo...en general un desafío para el escucha.

Cada canción en Fall Be Kind tiene un sello particular una historia que sin necesidad de traducir las letras a cualquier idioma se platica y se grita al mismo tiempo. En Bleeding, la voz que abre el tema te asusta y te pone un estado de alerta, pero pronto las voces cargadas de reverb y delay repiten sabiamente una línea melódica sanadora; la cama de sonido se desliza a través de unas cuerdas y samples vidriosos.

On a Highway, mi favorita de las cinco es una de las piezas de sonido más intrigantes que se hayan compuesto... la profundidad de las notas que salen de las maquinas de estos alquimistas retumba en los audífonos de maneras pocas veces alcanzadas. Las percusiones que entran y salen hacen que el sueño parezca más real. Las voces procesadas dan el bello final.

I think i can es otra obra de arte que no nos puede adelantar en su inicio (con la marca inconfundible del Colectivo Animal) el banquete que nos prepara y mucho menos el postre al final con el mantra repetido una y otra vez... Creo que puedo, creo que puedo.

La canción más famosa de este EP es What would i want? Sky debido a la inclusión de un sample de los stoners más representativos de los años setenta: The Greatful Dead. Los del colectivo animal transforman la canción de los Dead en algo diferente, en algo viajado. Musicalmente dividen el tema en dos y presentan una suite que tiene la vibra adecuada para ser clásico.

La abridora Graze apabulla por la sorpresa sonora que contiene. A final del día esa es la característica más representativa de Animal Collective , la sorpresa, afortunadamente esa sensación de sorpresa se repite cada vez que se escucha este Otoño se Bueno y su demás material.

A VECES

Monocordio- A veces
Fernando Rivera Calderón es a mi gusto una de las figuras mas chingonas del medio artisstistico, periodistico, musical y desmadroso de México
No quiero parecer fan o admirador consumado, pero el creador del proyecto musical Monocordio, el escritor acido de canciones/noticias del Palomazo Informativo o del Weso (en radio y libro) me cae tan bien que no puedo ocultar que desde que lei una entrevista que le realizaron para la hoy extinta "Mosca en la Pared " y en la cual el buen Fer decía, entre muchas otras interesantisimas cosas, que el había estudiado ciencias de la comunicación pero que se consideraba a si mismo como un "todólogo" , y que de esa manera había logrado satisfacer sus necesidades y conseguir las cosas que el quería, ya que el haberse especializado en periodista o en músico o en any other thing no hubiera sidi tan redituante.
Bueno me desvié del tema pero quiero deja en este post una experiencia que viví el día de ayer y que me marcó, como toda persona tengo mis problemas y creo que "A veces" no tienen solución por lo que prefiero tirar todo por un borde y dejarlo atrás sin importar las concecuencias, el día de ayer fue uno de esos días, por la noche escuché esta canción, Interpretada por Fernando Rivera en su proyecto Monocordio , make me cry & other stuff .